Aventuras en el Botadero: South Park: Más Grande, Más Larga y Sin Censura (South Park: Bigger, Longer & Uncut)

por E. Gon

En 1992, los entonces estudiantes de cine de la Universidad de Colorado, Trey Parker y Matt Stone realizan un cortometraje de animación llamado The Spirit of Christmas (conocido también como Jesus vs. Frosty). La técnica de animación que utilizaron fue la de stop motion que consiste en fotografiar uno o varios cuadros de un objeto, luego se mueve un poco (que en este caso fueron figuras recortadas de cartulina) y luego se vuelven a fotografiar. El efecto de animación se obtiene cuando se proyecta a velocidad normal todos los cuadros (que es de 24 cuadros por segundo ya que utilizaron una cámara de 8mm).

Brian Graden, ejecutivo de Fox y amigo de Parker y Stone, les encarga la producción de un nuevo cortometraje en 1995 que sería utilizado como tarjeta de navidad. Este corto también llamado The Spirit of Christmas (conocido mejor como Jesus vs. Santa, para diferenciarlo del corto de 1992). La popularidad de este segundo corto se genera gracias a Internet lo que los lleva a la posibilidad de que Fox les produzca una serie animada. Sin embargo, el proyecto es rechazado y es MTV y Comedy Central quienes se interesan por el proyecto. Al final es Comedy Central quien se queda con la opción ya que Trey Parker consideraba que la serie sería infantilizada por MTV (algo así sucedió con Ren & Stimpy de John Kricfalusi o Bob Esponja de Stephen Hillenburg). Tanto en Jesus vs. Santa como el cortometraje anterior, se establecen los personajes básicos de lo que, después de Los Simpsons, es una de la series de animación más exitosa de los EUA.

La serie de TV South Park se centra en la vida de cuatro niños (Stan Marsh, Kyle Broflovski, Eric Cartman y Kenny McCormick) en el pueblo de South Park, Colorado cuyo invierno parece permanente. Inicia a transmitirse el 13 de Agosto de 1997 y, después de 209 episodios, su sentido del humor satírico, escatológico, políticamente incorrecto, y abiertamente irrespetuoso a valores políticos, culturales y religiosos lo han ayudado a mantenerse al aire a pesar de las constantes demandas y amenazas terroristas (no olvidemos que no hace mucho un episodio en el que se burlaban de Felipe Calderón fue censurado en México).

Una de las características que distinguen a la serie son las voces de los personajes. El trabajo actoral en películas o series de TV de animación, por lo general, ha sido visto con menosprecio. Con el éxito de Los Simpsons y de películas como Toy Story (con Tom Hanks y Tim Allen) esta apreciación cambió llegando incluso a ser como “la raya del tigre” que todo actor o actriz de Hollywood debe tener en su currículo (dicho sea sin albúr de por medio). Sin embargo para los creadores de South Park les parece irrelevante eso ya que uno de los grandes encantos de la serie es que la mayor parte de las voces las hacen los propios Parker y Stone (la gran excepción son las voces femeninas y la voz de Chef, interpretada por el maestro Isaac Hayes). Pocos como Robert Smith (lider de The Cure) o Jennifer Aniston (¡mamácita!) han tenido el privilegio de participar en la serie prestando sus voces aunque a George Clooney, p.e., admirador de la serie, insistió en participar en la grabación de un episodio. Resultado: fue invitado a grabar los ladridos de la mascota de Stan (¡y por supuesto que lo hizo con gusto!).

La película que reseñamos en esta oportunidad se centra en el conflicto generado por un film de los cómicos favoritos de los niños de South Park, Terrance y Phillip, cómicos canadienses cuyo humor escatológico escandaliza (una vez más) a los padres de familia del pueblo que lleva su indignación a niveles tales que la única solución que existe es declarar la guerra a Canadá. El tema central de la película es un fuerte cuestionamiento de la censura y sobre los límites de la libertad de expresión, un tema muy del diario de los creadores de la serie.

El film da la impresión de ser un episodio de casi 90 minutos de la serie. Esto no debe sonar peyorativo puesto que, si uno ha seguido con cierta regularidad la serie desde sus primeras temporadas, el film le da continuidad dramática a situaciones planteadas con anterioridad. En todo caso esto parece un obstáculo para el público casual que desee ver esta película y desconozca el material original. Sin embargo, por sí sola, la película se deja ver y disfrutar por el hecho de lo irreverente de las situaciones como la que se da en el salón de clases cuando Cartman dice la palabra con “F” (y no nos referimos a la palabra Furúnculo) o el hecho de que Sadamm Hussein tenga un amorío con Satanás.

Además se concibió desde el guión escrito por Parker, Stone y Pam Brady como una gran parodia a las películas de Disney en cuanto a la cuestión del uso de la música y las canciones.



La película es una suerte de comedia musical pero a diferencia de las clásicas de la época dorada de Hollywood, la historia es coherente, tiene progresión dramática y, sobre todo, sigue siendo absurda, escatológica y groseramente irreverente como lo que se ve ahora, irónicamente, por MTV. Y a pesar de que la película incluye canciones con títulos como “Uncle Fucka” y “Kyle’s Mom is a Bitch”, el éxito del film los llevó a recibir una nominación a los Oscares por la canción “Blame Canada”.





Con participaciones de George Clooney (Up in the air), Minnie Driver (Modern Family) y Eric Idle (Monty Python’s Flying Circus) entre otros, South Park: Más grande, Más Larga y Sin Censura se disfruta por continuar el tono de humor irreverente de la serie aunque eso puede ser su mayor defecto. Sin embargo es una experiencia que bien vale la pena para un jueves tequilero o un viernes sin reventón.

South Park: Más Grande, Más Larga y Sin Censura (South Park: Bigger, Longer & Uncut; EUA, 1999) Producida por Trey Parker y Matt Stone. Dirigida por Trey Parker. Guión de Trey Parker, Matt Stone y Pam Brady. Región 4. Como material extra incluyen un video musical, 3 preventivos y 4 avances de cine. Esta versión solo cuenta con audio en inglés.

Y asi como los DVD tienen material extra, este blog no se puede quedar atrás. ¡Disfrútenlo!

Aventuras en el Botadero: Punk, el fenómeno (American Hardcore)

por E. Gon

Advertencia: no se dejen engañar por el título en español. Ya saben cómo se las ingenian los distribuidores para vender las películas.


En la década de los 70s, muchos de los músicos que se dieron a conocer en la década anterior, se han transformado en artistas maduros y treintañeros, piezas clave del rock para jóvenes que pueden no sólo comprar los discos sino que pueden pagar boletos de precios estratosféricos para asistir y ser uno más de los veinte o cincuenta mil individuos que atiborran un estadio. El rock de estadios se mezcla de manera promiscua con los intereses de las grandes corporaciones que también “descubren” un movimiento musical que al principio era de jóvenes urbanos marginales que buscaban que la música fuera bailable de nuevo. La música disco, hija bastarda del soul y el funk, termina por volverse en un mega fenómeno comercial gracias al impacto mundial de la película “Fiebre de Sábado por la Noche” y su banda sonora compuesta e interpretada en su mayor parte por los Bee Gees. Y para muchos “el rock está muerto” o es lo que algunos quisieran pensar.

Sin embargo, en las entrañas de las ciudades norteamericanas castigadas por una de las peores recesión económicas a finales de los 70’s, se gesta en un mismo caldo de cultivo la siguiente generación de músicos de rock y de rythym and blues (música creada por los afro americanos): por un lado surge el punk y por el otro lado surge el rap, predecesor del hip hop quienes rechazaban el rock de estadio y la música disco como expresión y reflejo de su condición social. El punk (“alguien despreciable”, según el diccionario) como lo conocemos en la actualidad es apenas una de las caras de este movimiento musical contestatario contra el establishment en especial el de los rockeros: no es de a gratis la frase de The Clash en London Calling: “Phoney Beatlemania has bitten the dust” (“La Beatlemanía farsante se ha ido al cuerno”). Grupos como Talking Heads, Blondie o Ramones, son parte de ese movimiento pero como espectadores casuales no los ubicaríamos en la misma escena que Black Flag o Bad Brains. El punk tiene su lado oscuro o, más bien, su lado Hardcore.

Basado en el libro American Hardcore: A Tribal History de Steven Blush (quien además participa en la película como productor ejecutivo y guionista), el documental de Paul Rachman hace un recuento de esta variante del punk norteamericano que a pesar de que se conocía de manera casi clandestina en ciudades tan distintas y distantes como Washington D.C., Boston, San Diego u Oregon, por mencionar algunas, fue de gran influencia para músicos que van de Kurt Cobain a Moby (sí, ese Moby).

Sin caer en testimonios nostálgicos tipo “todo tiempo pasado fue mejor” o “esa era música de verdad y no la mierda que se escucha ahora”, la película narra de manera lineal, directa y con buen ritmo (cual buena canción hardcore) el surgimiento de ésta corriente musical a partir de las inquietudes adolescentes de ponerse en contra de lo que la sociedad (léase padres de familia, escuela y/o iglesia) “quiere y espera” de uno. El renacimiento de la fantasía del American Dream en la clase media con la llegada de Ronald Reagan a su primer periodo presidencial (1981-1985), exacerba por un lado el conservadurismo innato de la gran mayoría de los norteamericanos pero refuerza el rechazo de estos jóvenes que no quieren ese futuro de clean cut kid universitario.

Musicalmente, esos jóvenes rechazaban no sólo al pop por comercial: el pedo también era con el rock predominante (tipo Boston, Journey o Fleetwood Mac) que era comercial, excesivo y, sobre todo, alejado de su naturaleza rebelde con la que había surgido el rock’n’roll. Esos jóvenes encontraron en la simpleza de la música y en el mensaje directo la solución. Las canciones de D.O.A., The Adolescents, Minor Threat y otros tantos eran estructuralmente simples no sólo porque carecían de habilidades en el manejo de los instrumentos y en la composición: querían que la música y en especial las letras de las canciones fueran directo al cerebro con la misma fuerza de un puño cerrado que golpea el rostro de alguien al momento del slam que estallaba en los improvisados escenarios. Y a pesar de la violencia innata del hardcore ( en su música, en lo primitivo de lo que llamaríamos baile, en la manera de vestir y hablar entre otras cosas) el movimiento hardcore no aspiraba a la revolución proletaria o cambiar al mundo (onda hippie-coca cola). La gran virtud y el mayor defecto del hardcore es su crudeza: se marginaba no porque quisiera, era así. ¡Era lo freak de lo freak!.

El filme saca a relucir algunas ironías del rock: mientras Ian Dury and The Blockheads enarbolan el “Sex and Drugs and Rock’n’Roll”, alguien como Ian MacKaye de Minor Threat habla del rechazo a la drogas o el testimonio de un pastor en su iglesia hablando de sus días como seguidor de Circle Jerks.



Lo que esos jóvenes buscaban era su lugar en un país llamado EUA. Porque a final de cuentas, el documental narra, no explica (eso lo hacen los historiadores y los sociólogos) con gran calidez, el apogeo y caída de un movimiento musical fugaz (el film cubre el periodo 1980 a 1986) pero que dejó huella en la sociedad y aún hoy vemos sus influencias.

Un film recomendable para los que gustan del rock pero si eres de esas personas que aún creen que esa música es el camino directo a la condenación del alma, échele un ojo y quizá no le haga cambiar de idea pero sentirá que sus prejuicios lo hacen ver ridículo.




Punk, el fenómeno (American Hardcore. EUA, 2006) Dirigida por Paul Rachman y producida por Steven Blush y Paul Rachman. Basado en el libro American Hardcore: A Tribal History de Steven Blush. Guión de Steven Blush. Duración: 100 min. Disponible en DVD región 4. La versión reseñada tiene escenas eliminadas del corte final, comentarios en audio del director y del guionista y clips musicales de Millions of Dead Cops (MDC), Bad Brain, SS Decontrol, Void, YDI y Jerry’s Kids .

Aventuras en el Botadero: El Honor de un Guerrero

Aventuras en el Botadero.
por E. Gon

Botadero. Ese lugar que en las aún existentes tiendas de discos, videoclubs o en la sección de películas de los supermercados (“Verduras, verduras: pase por su clave zeta a la caja 2”) se destina a las películas o cajas con series de TV que no se venden como “pan caliente”. Por lo general las veremos con ostentosas etiquetas de “oferta” o “2 por 1”. Son lo que los contadores públicos llaman eufemísticamente “saldos”. Incluso quienes venden películas y CDs piratas tienen su parte dedicada a las películas que no venden bien pero es ¿por qué no se promueven? ¿Error de mercadotecnia? ¿Dejaron de estar de moda? ¿No están puestas en los mejores lugares de los anaqueles? ¿Falta de publicidad? O, y hago la pregunta con temor, no se venden porque ¿son malas?

Aquí es cuando el pequeño crítico de cine que se aloja en la parte más profunda de nuestro cerebelo, esa masa que aun conservamos de nuestros antepasados prejurásicos, sale en busca de la verdad y la justicia con bolsa de palomitas recién salida del microondas en una mano y un refresco en la otra. Seamos honestos: no tenemos la autoridad moral ni académica para imponer opiniones a los espectadores y si la tuvieramos, no es el papel del crítico de cine (y de ninguna actividad cultural) someter a los espectadores a sus ideas y comentarios. La labor de los críticos es la de ser una suerte de tamiz para esa enorme oferta de cine que hay en las salas y en las tiendas (físicas o virtuales) que, sin embargo, carga con el defecto de la subjetividad por más maestrías en estética y sintaxis cinematográfica hayan cursado en Harvard, La Sorbona o el Tec de Tepetongo.

El propósito de estas colaboraciones para el blog de ROLLO DE PELÍCULA es rescatar de esa suerte de limbo que es el botadero, películas que a nuestro parecer merecen la oportunidad de ser vistas. Si ya vieron alguna película de nuestras propuestas y no les gustó, una disculpa. Si vuelven a ver una película que les gusto en base a nuestras propuestas o encuentran una película que no habían visto y les gusta, no nos lo agradezcan: mejor recomiéndenla a otros.

La película que les proponemos en ésta entrega, es de esas que les llaman de culto (que no para cultos): “El Honor de un Guerrero” (Wong Fei-hung o como se le conoció en EUA, Once upon a time in China, de 1991), dirigida y producida por Tsui Hark, retoma al pèrsonaje popular Wong Fei-hung, médico tradicional de profesión y heredero de técnicas antiguas de combate ligadas al kung fu, para contar una historia ubicada en los inicios del siglo XX en la China aún dominada por el caos posterior a la llamada Rebelión de los Boxers (1898 – 1901) y la presencia militar y comercial de los países industrializados de Europa y los EUA.

La primera parte de una trilogía protagonizada por Jet Li (Romeo debe morir, El Reino Prohibido, Los Indestructibles), Yuen Biao y Rosamund Kwan, la película narra las dificultades que tiene el médico Wong, en un poblado que es víctima de los abusos tanto de la delincuencia organizada como de las autoridades locales y las fuerzas militares extranjeras. La misión de Wong es la de establecer una milicia local para proteger a los pobladores, sin embargo, un encuentro violento con los criminales locales, provoca que tanto las autoridades como los representantes extranjeros le vean con abierta desconfianza y rechazo. En esas circunstancias, la situación empeora con la aparición de otro maestro de artes marciales, Yim (Shi-Kwan Yen) quien busca retar a Wong para convertirse en el maestro de artes marciales del lugar.




A pesar de que cinematográficamente tiene muchos defectos tanto el guión como la producción, la película es muy llamativa visualmente ya que las escenas de acción, sin dejar de ser fantasiosas, no pierden el sentido dramático de la narración: no es la pelea por sí misma sino el contexto y las razones por las que se dan como la escena de la masacre en la representación teatral o la pelea entre Wong y Yim en la bodega de harina. La coreografía de las peleas de la película se desenvuelve con una perfección fársica que nos hace gozar de la acción sin dejarnos la oportunidad de la sonrisa cómplice de saber que la mayoría de lo que ocurre es físicamente imposible.



La historia se sostiene gracias a todo lo que hay detrás del personaje de Wong Fei-hung, quien es visto en las tradicionales populares de China como lo que sería un Robin Hood pero con un serio compromiso de entender una sociedad que abandona las dinastías imperiales y su feudalismo para tratar de convertirse en una incipiente república.

La actuación de Jet Li no es para que lo contratemos para Hamlet pero hay que reconocerle que busca darle al personaje de Wong una profundidad que le acerque al personaje verdadero quien trató de conciliar sus tradiciones con el entendimiento de que China debe afrontar la modernidad de un mundo que puede avasallarla sin contemplaciones (aceptemos el hecho de que la gran mayoría de estos actores y actrices logran su popularidad por las escenas de acción en las que participan, que es la que le da dinero a la industria cinematográfica de Hong Kong). El Honor de un Guerrrero bien vale la pena para una tarde de sábado en la que no quieran salir de la casa y lo más gourmet que se les antoja es una pizza azteca y una cerveza bien fría.

El Honor de un Guerrrero (Hong Kong, 1991) Dirigida y producida por Tsui Hark, con guión de Yiu Ming Leung, Pik-yin Tang, Hark Tsui y Gai Chi Yuen con Jet Li, Yuen Biao y Rosamund Kwan. Disponible en DVD región 4. La versión reseñada tiene como extras avances de esta y otras películas, perfiles de los actores y del director y la versión en inglés de la película.


(Esta primera colaboración se la dedico a quienes iniciaron ROLLO DE PELÍCULA: Héctor “Mojarrita” Gómez, Eduardo “Chichas” Martínez, Pedro “Peter” Guzmán, Eduardo “Lucas” Lucatero, Silvia “La Productora” Márquez, Luis Alberto “Pónme un apodo y te parto tu madre” Bolaños y a Carmen “Amore mio”)