martes, abril 21, 2009

Descubrimientos: Christoffer Boe

Eduardo Lucatero
lucatero@rollodepelicula.com


En Dinamarca debe haber algo en el agua. Desde que el cine llegó al pequeño país escandinavo, éste ha producido consistentemente directores interesantes, que van desde el clasicismo de Dreyer a lo revolucionario de Von Trier, pasando por una buena cantidad de realizadores de competentes cintas comerciales que no le piden nada al cine de Hollywood.

Uno de los nombres más interesantes en surgir de Dinamarca es Christoffer Boe. Durante su paso por la Escuela Nacional de Cine realizó una trilogía de cortometrajes (Obsession, Virginity y Anxiety) que le valieron varios premios. En éstos trabajos, Boe trabajó casi siempre con el mismo equipo; el cinematógrafo Manuel Claro, la productora Tine Pfeiffer, el editor Peter Brandt , y los actores Marie Bonnevie y Nikolaj Lie Kass (quienes participarían más tarde en su ópera prima).

El Instituto Danés de Cine creó un esquema llamado “Director’s Cut”, con la idea de promover un cine más personal. La idea consistía en que los realizadores tuvieran absoluto control sobre la obra, siempre y cuando se realizara rápidamente y con el modesto presupuesto ofrecido. Boe aceptó la oferta, y comenzó a escribir una idea vagamente basada en los 99 ejercicios de estilo de Raymond Queneau y en “Repetición” de Soren Kierkegaard, en clave de historia de amor. El resultado: Reconstruction (2003).



Alex, un joven fotógrafo, lleva una vida tranquila con su adorable y comprensiva novia Simone. Una noche, conoce al azar a una hermosa mujer (idéntica a su novia, ambas interpretadas por la misma actriz). Ella, llamada Aimée, está casada con un prestigiado escritor, pero decide igual pasar la noche con Alex. Al día siguiente, la vida de Alex ha cambiado por completo; ni Simone, ni su familia o amigos dicen reconocerlo, por lo que Alex tiene que cruzar la ciudad de Copenhague para encontrar a Aimée y descubrir si todo se trata simplemente de un sueño. O de una creación del escritor esposo de Aimée. O de un relato de un merolico del metro. O de un mal recuerdo. O de algo completamente diferente.



La película, (firmada no por Christoffer Boe, sino por El Señor Boe y Compañía, como muestra de respeto, según el realizador, a la importancia de su equipo completo), recuerda a El año pasado en Marienbad, así como a varias cintas de Lynch y Godard, pero logra tener una identidad propia, en parte gracias al estupendo trabajo visual de Claro. Reconstruction ganó el premio a la mejor ópera prima en Cannes y muchos otros reconocimientos.

Boe fue invitado a participar en el filme colectivo Paris, Je t´aime, pero su corto no fue incuído finalmente en la cinta. Igualmente, la recepción de su siguiente cinta, Allegro (2005) fue mucho menos calurosa.



Allegro es, en palabras de su director, una cinta de ciencia ficción. Evidentemente no se trata de ciencia ficción en el sentido tradicional; simplemente explora una realidad alternativa. El protagonista es un celebrado pianista danés, elusivo y excéntrico, que lleva diez años viviendo en Nueva York. Bajo pretexto de entrevistarlo, un misterioso hombre (además narrador de la película), lo convence de regresar a Copenhague, pues “su pasado” ha sido secuestrado. El pianista regresa a su ciudad natal, para descubrir que en ella existe un misterioso lugar llamado “La zona”, sellado del resto de la ciudad por una barrera invisible, de donde nadie puede entrar o salir. “La zona” es además el área donde el pianista solía vivir, escenario también de su gran historia de amor, la cual no concluyó bien y ahora ha olvidado por completo.

Allegro es una cinta complicada, realizada por alguien que no está preocupado realmente en que algo esté ocurriendo, pero concentrado más en el placer de construir una atmósfera inquietante. Entre el abierto homenaje a Stalker y las complicaciones al estilo de los guiones de Charlie Kauffman, Boe juega también, como en Reconstrucción, con las diferentes posibilidades que brinda el no definir la identidad del narrador, con barrocos detalles de cuento de hadas para adultos y con una complicada de mezcla de texturas y técnicas (que incluyen aquí interludios de animación, además de planos de la ciudad). Lo curioso es que la cinta ha dividido a varios fans de Reconstrucción; para algunos, la cinta es pretenciosa y confusa, para otros es menos pretenciosa y más clara que la primera.



Offscreen cierra una trilogía en la que Boe dice explorar la imposibilidad del amor. El actor Nicolas Bro (presente en Reconstrucción y Allegro) interpreta a un actor llamado Nicolas Bro, amigo del director Christoffer Boe, interpretado por el director mismo. Bro decide hacer una película sobre sí mismo, con una cámara prestada por Boe. Al principio de la cinta, se nos informa que Bro ha desaparecido y que Boe ha decidido editar la película con los cassettes encontrados. El resultado es el relato de la lenta destrucción del matrimonio de Bro y su paulatina pérdida de la razón. De las tres es la menos interesante, aunque la interpretación de Bro es fascinante.

Christoffer Boe ya tiene otra cinta terminada, llamada Prediction y se encuentra actualmente rodando otra tentativamente llamada Alting bliver god igen (Todo va a estar bien).

Reconstrucción y Allegro se encuentran disponibles en DVD.

lunes, abril 13, 2009

Descubrimientos: Jafar Panahi

Eduardo Lucatero
lucatero@rollodepelicula.com


Periódicamente se ponen de moda cines nacionales. Hace un par de años se declaró el boom del cine rumano, antes fue el cine argentino, antes el coreano, etc. A mediados de los años noventa tocó su turno al cine iraní, cuyos máximos representantes eran Abbas Kiarostami y Mohsen Mahkmalbaf, cuyos nombres eran apenas conocidos por unos cuantos críticos de cine amantes de lo exótico. Sin embargo, a partir de la presentación de Badkonake Sefid (El Globo Blanco), en el festival de Cannes de 1995, que el cine iraní logró darse a conocer al gran público.

Escrita por Kiarostami, pero dirigida por Jafar Panahi, su asistente de dirección en A través de los olivos, la cinta se vendió a todo el mundo y ganó varios premios. Buena parte de su éxito se debió a que buena parte de los espectadores no habían visto una cinta hecha en Irán. Narrada prácticamente en tiempo real, El globo blanco narra la historia de una niña que pide insistentemente a su madre que le compre un pez dorado para celebrar el año nuevo. Cuando la madre finalmente cede, la niña deja caer el billete en una coladera, e intenta con la ayuda de varios espontáneos, recuperarlo. La sencilla historia, rodada casi de forma documental, reminiscente del neorrealismo italiano, resultó ser una bocanada de aire fresco en el panorama del cine mundial, y la fórmula se repitió en varias ocasiones, con historias sencillas rodadas de forma similar, cuyos protagonistas eran niños en busca de algo.

Lo que muchos no comprendieron fue que tales historias eran generalmente una alegoría de otros temas, difíciles de tratar en un país regido por estrictas leyes religiosas, con un complicado sistema de censura, que no tuvo problemas con la historia de una mujer que se cuestiona el estado de las cosas, siempre y cuando fuera una niña molona.



Mientras otros realizadores se dedicaron a copiar su fórmula, Panahi le dio un original cambio a la estrategia en su segunda cinta, Ayneh (El espejo). La historia comienza con la otra niña, que en esta ocasión está esperando a que su mamá la busque en la escuela, como no aparece, decide irse a su casa sola. En un momento dado, la niña dice estar harta de actuar en la película y decide abandonar el set. “Casualmente” a la niña se le olvida que lleva aún puesto el micrófono inalámbrico, por lo que el equipo “decide” seguir rodando desde cierta distancia, el recorrido de la niña hasta su casa. El Espejo se convierte en un (falso) documental sobre la ciudad, a través de la mirada sin filtrar de la pequeña. Obtuvo el premio principal en el festival de Locarno.



Panahi siguió explorando el mundo femenino en Dayereh (El Círculo). Las protagonistas ya no son niñas, son mujeres que se cuestionan abiertamente las diferentes injusticias con las que se encuentran diariamente, por el simple hecho de ser mujeres. La película abre con una escena en la que una mujer se presenta en el hospital donde su hija va a dar a luz. La mujer se desploma al enterarse de que su hija ha dado a luz a una mujer. A partir de ahí, varias escenas describen la vida diaria de algunas mujeres en Teherán, todas en cierta forma luchando contra los problemas que les ocasiona su simple condición de mujeres.

La película evidentemente puso furiosas a las autoridades iraníes, que no le permitieron participar en ningún festival. Una copia de contrabando se exhibió en Venecia, donde la cinta terminó por ganar el León de Oro, lo que le permitió un casi clandestino lanzamiento en Irán, al igual que invitaciones a festivales de todo el mundo.



Si la película le ganó varias enemistades en su país, Panahi sufrió de un incidente igualmente desagradable en Estados Unidos. Cuando viajaba del festival de Hong Kong al festival de Montevideo, Panahi hizo una escala en Nueva York. Al negarse a ser fotografiado y a que le tomaran sus huellas digitales, fue esposado a una banca sucia y encarcelado por un par de días.

Una visión más ácida de la sociedad iraní presentó en su siguiente película, Talaye sorkh (Oro Sangriento), en el que un veterano de la guerra con Irak tiene que dedicarse a entregar pizzas en los barrios ricos de Teherán.



En Offside, Panahi regresa al tema de la discriminación hacia las mujeres, aunque de una forma más ligera, más cercana al espíritu de El globo blanco y El Espejo. En el 2005, el país vive con intensidad las eliminatorias del mundial de futbol en Alemania. Irán está a punto de clasificar y todos quieren asistir al estadio a apoyar a la selección, incluyendo a un variado grupo de mujeres, a las cuales no se les permite la entrada a un estadio. Algunas de ellas intentan disfrazarse de hombres, pero al ser descubiertas son llevadas a una improvisada prisión, donde sus guardas están de mal humor porque en lugar de ver el partido tienen que encargarse de ellas. Narrada en tiempo real, durante todo el partido, el acierto de la cinta es que además de su humor, los personajes masculinos terminan también por cuestionarse porqué a las mujeres no se les permite ingresar al estadio.



El globo blanco, El espejo, El Círculo, Oro Sangriento y Offside se encuentran disponibles en DVD.

miércoles, abril 01, 2009

Descubrimientos: James Marsh

Eduardo Lucatero
lucatero@rollodepelicula.com


Al parecer, el gran amor de Elvis Presley no era ni el rock ’n roll ni las mujeres, como podría suponerse. La verdadera pasión de El Rey, la fuerza que le inspiraba a vivir cada día era la comida, entre más frita, mejor. Al menos eso es lo que se desprende del documental The Burger and The King: The Life and Cuisine of Elvis Presley. En este documental de la BBC de 1996, el británico James Marsh (basado en un libro de David Adler), explora la extraña relación del cantante a través de su pasión por la comida chatarra, en un filme que fue descrito en su momento como una “biografía alimenticia”. Desde su infancia en un poblado miserable de Mississippi, donde el pequeño Elvis comía con frecuencia ardillas y zarigüeyas, al ejército, donde desarrolló su amor por la mortadela, a sus días en Hollywood (donde evitaba comer en restaurantes porque no era experto en el uso de los cubiertos) varios cocineros y gente cercana a Presley describen su amor por los sándwiches fritos de plátano y crema de cacahuate, hamburguesas y hot dogs

Lo más singular del filme, sin embargo, es la atención de Marsh a los pequeños detalles en su observación del mundo norteamericano. El joven realizador logra describir un mundo insólito, extraño y a su vez, familiar, a través de las canciones e imágenes conocidas, que en el contexto actual (años después de su muerte, muy probablemente ligada a sus desórdenes alimenticios) toman una dimensión completamente diferente.

www.veoh.com/browse/videos/category/horror/watch/v15274462zHtTrks3#

Un par de piezas para la BBC sobre Marvin Gaye y Jan Švankmajer y el éxito de The Burger and the King permitieron a Marsh realizar su primer largometraje documental, Wisconsin Death Trip, basado en un libro del mismo nombre, que Marsh se encontró en una librería de Nueva York. A fines del siglo XIX, una ola de inmigrantes (provenientes principalmente de Alemania y Noruega) se establecieron en las praderas de Wisconsin. Algunos de esos poblados nunca prosperaron y la miseria se transformó pronto en enfermedades, crimen y locura. El libro original de Michael Lesy recupera principalmente las notas que aparecieron en el periódico local de Black River Falls y otros poblados cercanos. Evidentemente, buena parte del mismo son artículos de nota roja, ilustrados en su mayoría con las imágenes del fotógrafo local, Charles Van Shaick.


La cinta de Marsh reproduce algunas de esas historias en impresionante blanco y negro, en un estilo similar al de las fotografías de Van Shaick, con algunos intermedios a color que muestran el poblado actualmente, con una puesta en escena que recuerda a Terrence Malick.

En el año 2003 se celebró en Austria la primera copa de futbol para indigentes. James Marsh siguió muy de cerca en The Team las andanzas de un par de neoyorquinos por formar un equipo, entrenarlo y llevarlo a competir al mundial. Al contrario de Wisconsin Death Trip, el planteamiento es simple, y Marsh (y el espectador) meramente observa las vicisitudes del variopinto grupo de pordioseros aprendiendo el concepto de “equipo”. El dinero para realizar el film se terminó y la postproducción se alargó tanto tiempo que Marsh tuvo tiempo de completar una cinta completa antes de terminarlo, editando en su propia computadora en sus ratos libres. Esa cinta se titula The King y fue su debut en el cine de ficción.



Escrita por Milo Addica, que también escribiera Birth, The King es una cinta difícil de clasificar. Gael García Bernal interpreta a un sujeto llamado Elvis, que abandona la Marina y se aparece en casa de su padre, en Corpus Christi, Texas. El problema es que el padre (ahora pastor de una iglesia bautista) no quiere nada que ver con el hijo que procreó con una prostituta mexicana, por lo que Elvis comienza a inmiscuirse poco a poco en la familia del pastor. Durante buena parte de la cinta los motivos de Elvis son ambiguos, y como en Teorema (Pasolini, 1968), el joven termina cambiando por completo la dinámica familiar. La película se presentó con éxito en el Festival de Cannes , pero tuvo una complicada corrida comercial, sobre todo en Estados Unidos, donde la cinta no fue bien recibida por algunos críticos que a su vez temían la opinión de los grupos religiosos sobre la violencia, sexo e incesto . Las influencias de Malick y Lynch son aún más evidentes en The King. Marsh logra una atmósfera opresiva, usando perfectamente las áridas locaciones de la frontera texana, llenas de polvo, moscas y un calor insoportable. Las dificultades que el realizador encontró en ambas filmaciones terminarían, sin embargo, por traer una recompensa; una nueva cinta llamada Man on Wire.



El francés Philippe Petit es el sueño de todo documentalista. Excéntrico, arrogante, ególatra y elocuente, a Petit le encanta contar historias, sin duda la mejor de ellas cuando en 1974 cruzó las torres gemelas de Nueva York en una cuerda floja. Basada en su propio libro, Petit cuenta en el documental los detalles sobre la planeación del evento (ilegal) en una larga entrevista. La película está estructurada como una película de acción, en la que varios personajes que fueron cómplices y testigos van narrando paso a paso el evento, con ayuda de muy bien elaboradas recreaciones y una excelente labor de imágenes de archivo. Cerca del final, la cinta se vuelve en un emotivo testimonio a toda una época y en una interesante reflexión sobre la amistad y los efectos de la fama. De verdad una excelente cinta, merecedora de todos los premios que ha obtenido (entre ellos el Oscar al mejor documental hace unas semanas).



James Marsh acaba de realizar 1980, segundo capítulo de la teleserie inglesa Red Riding. Basada en una popular serie de novelas de David Peace (basadas a su vez en la historia real de Peter Sutcliffe, asesino de trece mujeres y apodado “El destripador de Yorkshire”).



The King, Wisconsin Death Trip y Man on Wire están disponibles en DVD.